Don Caballero – Punkgasm

Don Caballero – Punkgasm (2008)

Un grupo con mucha influencia académica y casi cerebral, sin que con esto suenen tradicionales o aburridos. Aún cuando su sonido puede percibirse caótico, hay un gran cálculo cuasimatemático y muy estudiado que los hace generar composiciones difíciles. Complejidades que provocan mala digestión, pero se trata de eso; de llegar a esa parte visceral, volátil y violenta, que la golpean con mucho poder e intensidad.

En el estilo sí pueden moverse en términos del rock experimental, pero en la ejecución y composición musical no se comportan así, ya que sus piezas son técnica y teóricamente muy trabajadas; los hace llegar a una alta calidad musical, por lo que predomina un tratamiento instrumental y con rupturas frecuentes entre formas melódicas y riffs distorsionados.

Su sonido encuentra patrones en estructuras complejas, una suerte de movimiento browniano, al bombardear con pedazos de cuerdas y micropartículas virtuosas provenientes de la batería; van a incrustarse directamente en el mismo estómago.

Siempre en busca de la creatividad musical, una necesidad que debe, no sólo de escucharse sino de repensarse, de releerse.

Este disco a diferencia de los anteriores, cuenta con la particularidad de que le han agregado algunas vocales, cosa interesante para una banda de Math Rock. El momento del disco es que va moviéndose en progresión hasta los últimos temas que resultan desgarradores.

"I think this new ensemble very gracefully touches on all the themes that had ever existed in the past and brings in new ones at the same time. But that's just my opinion. You can disagree with that.", Damon Che

Dedicado para mi gran hermano y respetable pensador Miguel Guerra, bien sabes como degustamos de la música intragable. Un abrazo.

Saludos. O SFa

Gabor Szabo – Spellbinder

Gabor Szabo – Spellbinder (1966)

En este segundo disco de Szabo es fácil caer sin respirar. Probablemente su más completa y vibrante producción, él nos agita con una combinación de ritmos, desde el jazz, funk, pop hasta la psicodelia, que en su fusión nos hacen sentir familiares; pese a que retoma el folklore de su país natal, Hungría, no dejan de jugar las percusiones con matices latinos, que tiempo después encontraría y sobreexplotaría, el ya desvirtuado mexicano Carlos Santana; pues Gabor Szabo no es más que su padre y si no escuchadlo usted mismo.

Gabor lleva al extremo la pisada precisa de su guitarra, escucharla es como sentirla en toda su tridimensionalidad, el cilindro psicodélico, que es la cuerda, encuentra todo su π (pi.); allí es donde la matemática sólo existe en tanto que ritmo, deseo y pulso. Pero su pisada de jazz en la guitarra va más allá; trepida a contrapunto con las percusiones de Willie Bobo y Víctor Pantoja, y, se ensambla en las chispas de la batería, las bocales con calidad contrastada; en momentos gritos disparados por el ritmo y en momentos destellos del pop.

Un disco genial, auténtico; quizá en los años sesentas no exista otro que se le acerque. Si se comienza a escuchar ya no hay vuelta atrás. De un talento que nunca se desvirtuó y que si buscan algo cercano, a lo más que pueden llegar es al gran Django Reinhardt.

“Bang Bang (My Baby Shot Me Down)”

Un saludo.
O SFa

The Books - The Lemon of Pink (2003)

The Books - The Lemon of Pink (2003)

Consolidar un concepto-sonido tan orgánico a partir del ordenador, trabajando a dueto y sin la intervención corpórea, es decir trabajar vía mail, esto sólo es posible cuando se lleva al máximo las posibilidades de la llamada postecnología. Pienso que la potencia que emana de este trabajo sólo pudo haberse logrado gracias a la participación a distancia de dos individuos, por un lado un músico y por el otro un artista visual.

El trabajo de Paul de Jong y Nick Zammuto me pone en claro que todo aquello que el hombre produce como tecnología tiene sus bases y fundamentos en modelos y sistemas ecológicos pero sobre todo orgánicos, al escuchar cada uno de sus discos no puedo dejar de pensar en la teoría de Gregory Bateson y su genial “Espíritu y Naturaleza”.

Bueno, que se puede decir de un trabajo en el que dialoga a través del ordenador un artista y un músico, que incluso ni proceso de producción existe, se trata de un diálogo sin habla, de una movilidad a distancia y sin cambiar de posición. Esta música de ordenador ya no para las nuevas generaciones, sino para las aldeas virtuales y globales en las que resulta inadecuado hablar de países, géneros, razas.

La trascendencia queda perfectamente ejemplificada en un maravilloso video musical (ver video)que seguramente debe ser atribuido a Justin Norman que parte de la pista número cuatro “smells like content” del disco Lost and Safe del año 2005. En este video juega el ritmo visual de lo orgánico que a su vez también juega, baila, esa parte metalúdica en la naturaleza que tanto se les complica a los científicos al tratar de racionalizar para entenderla; nada por entender y mucho por escuchar:

“We do all of our own sample collecting, composing, writing, recording, mixing, and mastering in our home studios using PCs running cheap software and the ragtag equipment that we've pieced together over the years. What you hear on our records is exactly how it left our hands, with no producer, engineers, or sweetening in between. Thanks! Paul and Nick"


Un saludo, extraordinaria petición del comentario anónimo.

OSFA

David Torn – “Prezens” (2007)

David Torn – “Prezens” (2007)

Es de resaltar en este sobresaliente trabajo postestructuralista, uno; el proceso de edición, sampleo y manipulación de Torn que a partir de un proyecto realizado en el 2005 orientó hacia una composición de momentos visceral, obscura, espectral, reflexiva y muy sofisticada, y dos; el hecho de que las estimulaciones que escupe Prezens no recaen en el protagonismo de ninguno de sus colaboradores, así el sonido grita su “vida propia”.
El saxo de Tim Berne se muestra con una precisión magistral y caótica, mientras que la batería de Rainey muestra una constancia que se atraviesa a sí misma, cae para después reconstruirse, a Craig lo encontramos en los momentos más cerebrales y a la vez efímeros, se escapan, claro que las texturas y posibilidades en las que Torn constantemente explora sus cuerdas es un ingrediente que más que sobresalir aporta ensambles y alternativas que amplían las posibilidades a las que Prezens se dirige por sí mismo.
Si se hace; experimental. Si se piensa; avant-gard jazz. Si se quiere; jazz-rock. Mejor escúchese…

David Torn: guitarras, samplers

Tim Berne: saxo alto

Craig Taborn: piano eléctrico, órgano, mellotron

Tom Rainey: batería

“I get the impression from the crowd of people I hang around with that intellect is kind of a time bomb. And if that's what you're living by solely and you're not in touch with the emotional, expressive or sensual states, then that little bomb is going to explode. It can be great if the thing explodes, but sometimes it can leave a life in tatters. So, I guess that's what I meant. Every mind, at some point, has to get defused. You gotta get in touch with those stupid cliche phrases like "wake up and smell the roses" and shit like that.”

David Torn

Un saludo. OSFA

Godspeed You Black Emperor! - Slow Riot for New Zero Kanada [EP] (1999)

Godspeed You Black Emperor! - Slow Riot for New Zero Kanada [EP] (1999)

El primer grupo que conocí gracias a la Matrix es la inclasificable banda Godspeed You Black Emperor!, no recuerdo el porqué pero sí recuerdo que fue por mera coincidencia que, aunque sus discos no se distribuían en el mercado comercial fue por otro acto fortuito que encontré su primer EP en una famosa tienda de discos. Atraído por esa peculiar forma de la frase en hebreo que contiene en la portada y que, si les digo una aproximación de lo que significa seguro se resbalan hasta el fin, en ese momento no pensé en algo que no fuera comprarlo, pese a que esto significó dejar de ir a la escuela por una semana, seguro que me enseñó más el disco que una semana de clases.

Pero cómo hago para escribirles de lo que se trata esta banda y en específico este disco: si les digo como muchos hacen de manera reduccionista “es post-rock” nos quedamos cortos, muy cortos. Imaginar a mi favorito Beethoven y lo intempestivo de los espacios en su ejecución, con una influencia punk más rock progresivo, por completo vanguardista y experimental. En lo primero que pensé a la fugacidad que tocó, más allá de mis oídos; una suerte de rock orquestal. Claro que en este momento les puedo decir que suena a un manifiesto Gutai, a una ciudad de ruinas de Italo Calvino, solitaria, vaporosa y llena de incertidumbre, esa incertidumbre de adolescente, obscura y trepidante; entre tristeza, deseo y terror, pone la arquitectura de los labios tibios. Con espacios en los que a la soledad has de contemplar una ruina vacía, las grietas y los pedazos, la espuma de la muerte y el olor del olvido. Es el sonido que fluye y no la música, sin que deje de serlo.
Escuchar a estos ácratas canadienses que confundieron con terroristas en Estados Unidos. Con su sublime sonido metalofónico que nos condena a la vagancia absoluta.

El acercamiento a la frase en la portada:

“sin forma, vacío”

Un saludo, un beso al comentario anónimo de la primer entrada.
OSFA

Juan García Esquivel - Esquivel! [Remixed] (2006)

Juan García Esquivel - Esquivel! [Remixed] (2006)

Encuentro particular el hecho de que un genio como lo es en sus arreglos y composiciones y como lo fue en su excéntrica vida, excéntrica igual que su música, sea no sólo respetado sino admirado por genialidades tan distantes a la vez, de John Zorn a Frank Sinatra hay más de un paso, en el cover de Kronos Quartet a la influencia de Stereolab hasta el MIS o Instituto Mexicano del Sonido; influencia contemporánea que arrastra ya más de medio siglo.

Considerado por muchos como el rey del “space-age pop”. Autodidacta como músico, compositor y arreglador, resultó ser un prodigio, que a eso de autodidacta hay que decir que Esquivel perteneció a la mejor institución de México y a la cual orgullosamente yo pertenezco: la Universidad Nacional Autónoma de México.

Sólo meses antes de su muerte, contó con la atención de Kronos Quartet para practicar una nueva grabación de su canción, "Mini Skirt", contenida en la siguiente recopilación que contiene dos discos, uno con las piezas originales y otro con remixes a manera de tributo.

A mediados de los años noventa Esquivel se vio inundando el mercado con la liberación de sus trabajos y la reedición de los mismos. Además de ser un precursor del sonido estereo fue quien lo llevó hasta sus últimas consecuencias, lo experimento a lo largo y ancho de sus límites. Sólo imaginar el sonido 5.1 y Esquivel se me pone la piel como gallina. Ja. Imaginen, lo imposible.

Así, con motivo de las fiestas patrias, hablar de algún mexicano que me enorgulleciera y José Alfredo tendrá que esperar su momento. Claro que, a esto primero habría que cuestionarnos si eso del “grito de independencia” no es más que una metáfora para sobrellevar nuestra dependencia como país. Y en vez de gritar “¡Que Viva México!” habrá que gritar aún más intenso “¡Que sobreviva México!”.

Esquivel murió a consecuencia de los efectos de un derrame cerebral el 3 de enero de 2002. Es apropiado que vivió para ver el nuevo siglo, ya que su música era a menudo muy por delante de su tiempo:

“Tal vez el hecho es que mi música era demasiado para la época. El público no estaba preparado para ese tipo de música. Ahora ellos están acostumbrados a los sonidos y la tecnología. Me alegro de los jóvenes artistas que están tratando de seguir mi estilo de composición. Me gusta eso.”

Juan García Esquivel

Saludos. ¡Pero que sí viva México! Cabrones...
OSFA

Pink Freud - Punk Freud (2007)

Pink Freud - Punk Freud (2007)

Banda de Jazz polaco que inició actividad discográfica en el 2000. Propuesta ecléctica que, si partimos de su nombre ya puede sonar al menos interesante. Ironía y actitud dadaísta envuelven a esta banda, consiguiendo a la fecha varios trabajos que mucho tienen que aportar al jazz contemporáneo; fundamentos del jazz que empujan también del rock, música balcánica, folk centroeuropeo, jungle y hasta drum'n'bass.
Así, nos ofrecen una actitud diferente en cada trabajo que han realizado; actitud que los hace derivar en la improvisación de nuevas áreas pero sin dejar a un lado los elementos de improvisación tradicionales; cada trabajo es una manera diferente de experimentar la sensibilidad y frescura de estos músicos que no hace más de medio año tocaron en México:

Wojtek Mazolewsky: bajo
Tomek Zietek: trompeta
Kuba Staruszkiewicz: batería
Tomek Duda: saxo
Marcin Masecki: piano eléctrico, órgano

A darle pues con el esquizoanálisis de esta trompeta que nos remite, más que al distanciamiento corpóreo freudiano, al accionar destinado a cada una de las partes del cuerpo, de un cuerpo sin órganos (CsO) como dirían Deleuze y Guattari, pero también arranca del alma y se incrusta en las vísceras como debe hacer la máquina más abstracta que es la música.

“Sed la Pantera Rosa, y que vuestros amores sean como el de la avispa y el de la orquídea, el gato y el babuino.”

Deleuze y Guattari, Mil Mecetas

Un saludo.
OSFA

Bill Evans Trio – “Everybody Digs Bill Evans” (1958)

Bill Evans Trio – “Everybody Digs Bill Evans” (1958)

“Estoy seguro que he aprendido mucho de Bill Evans, toca el piano de la manera que debe tocarse”
Miles Davis
“Bill Evans es uno de los pianistas más refrescantes que he escuchado en años”
George Shearing
“Creo que Bill Evans es uno de los mejores”
Ahmad Jamal
“Bill Evans tiene originalidad y gusto raros y aún más rara la habilidad para hacer su concepción de un número parecer la definitiva manera de tocar”
Cannonball Adderley
(En portada)

La pista 07- “Peace Piece” proveniente de un delirio de improvisación de Bill Evans con Bill Evans sobre un piano y que en el piano se vuelca como ningún otro, como ningún otro. Una pieza que avanza intempestivamente desde el pulso hasta la boca del estómago por entre las venas, justo como sucede con el alcohol, la heroína o la cocaína; primero inmobilizaron su brazo derecho, sin que esto le impidiera dejar de tocar, hasta fulminar el con la vida de Evans en 1980.

Pero que no se hable de impresionismo ni de lirismo. Al leer el contenido de la portada de este disco no queda nada más que decir.

“Words are the children of reason and, therefore, can't explain it. They really can't translate feeling because they're not part of it. That's why it bugs me when people try to analyze jazz as an intellectual theorem. It's not. It's feeling.” Bill Evans

Un saludo.

OSFA

Kaizers Orchestra - Maskineri (2008)

Kaizers Orchestra - “Maskineri” (2008)

Sin duda el más brillante y explosivo producto de los Kaizers es su disco debut “Ompa Til Du Dør” del año 2001. En este año regresan con una producción independiente y muy bien lograda, que a diferencia de sus anteriores trabajos se introducen las marimbas, un dueto con una voz femenina Ragnhild Winterstø Røthing y un estilo más glam, perdiendo de momentos la potencia con la que iniciaron y que les brindó una fama inigualable especialmente en Europa.

Una mezcla de folk de Europa del Este con post-punk e influencias destacadas y adyacentes como el mismo Ennio Morricone, Tom Waits, Marc Robot y hasta Radiohead. Resultando siempre interesante el hecho de usar su lenguaje natal, aportando autenticidad a todos sus trabajos además de una peculiar estética potenciada por el lenguaje noruego.

Para Karen que ya se lo debía desde hace mucho tiempo.

Ejerced toda la “Maquinaria”

OSFA

The Lounge Lizards - Lounge Lizards (1981)

The Lounge Lizards - "Lounge Lizards" (1981)

Continuamos excelentes; ensambles de jazz altamente creativos. Allí donde las composiciones no se producen sino que se crean, esa zona reverberarte que toca hasta el punto más abstracto y por lo tanto más deleuziano, con enclaves y puntos de fuga; pivotantes. Post y más post, hard y aún hard, se trata de un ensamble que se configura no ya en una contradicción tanto como en una contrainducción, en una suerte de punk-bop dado que en las velocidades trepidan multigéneros que resultan en el fake jazz. Con una calidad multicultural aún pese a que en sus inicios el grupo se haya generado por los hermanos Laurie, muchos y sobre todo talentosos, fueron los músicos que transitaron por la agrupación. Que repercutió en el surgimiento de bandas neoyorquinas que comenzaron a devenir jazz/rock en los años ochenta.
Con percusiones que le tiran al hard-bop, cuerdas delirantes y retrógradas que ejercen su expresión como desgarres de tipo post-punk, por supuesto el sax desenfrenado y bohemio muy contorsionado y elástico para resultar en una agrupación ultramoderna que de pista a pista siempre suena en matices inesperados.
Para mi amigo Feer, disco debut de una banda que como bien lo dices hay que escuchar. Y que le espero pronto para embriagarnos en alguna cantina apestosa del centro.

Come aquello que te haga vibrar –el pie–

OSFA

Wisdom In Time - Wadada Leo Smith & Gunter Baby Sommer 2007

Wisdom In Time - Wadada Leo Smith & Gunter Baby Sommer (2007)

Grata satisfacción la que comparto con cada uno de ustedes.
En el 2007 salió este trabajo titulado “Wisdome in Time”, año desde el cual lo he estado buscando en la red sir resultado alguno.
Se trata del compositor contemporáneo Wadada Leo Smith; ha colaborado con muchos músicos como John Zorn. Sin duda, sus conceptos están en una zona completamente abstracta y que decir del resultado que esto provoca en la manera en la que se sustrae al aire que lo absorbe desde la trompeta. Después de Chet Baker el trompetista más genial que podido escuchar.
En este disco trabaja con Gunter Baby Sommer, quien se ha convertido en uno de los mejores exponentes del jazz europeo contemporáneo. Alemán nacido en Dresden, con una idiosincrasia vanguardista sobria, ejecuta las percusiones como ningún otro.
Un trabajo pulido por los años de compaginación y trabajo; mirando siempre hacia la creatividad musical que escupen sus viscosas improvisaciones. Dado que a este trabajo le antecede “Touch the Herat-Break the Shells”; es de esperar una genialidad que nos sorprenda y conmocione aún más.
Así pues, un fascinante producto, en devenir de comuniones y contrastes; Sommer con un apego aún melódico se disipa con la sutil polución abstracta de Smith, logrando una fluctuación hacia lo orgánico e intempestivo.
Al fin lo encontré en formato FLAC: una calidad inmejorable.
Un saludo.
OSFA

Enjoy it, in the more abstract:

Wisdome
In
Time

Gruppo di Improvvisazione Nuova Consonanza – Improvisationen

Gruppo di Improvvisazione Nuova Consonanza – Improvisationen (1968)

Una autentica reliquia este rippeo del segundo disco en vinilo de 1968 del Gruppo di Improvvisazione Nuova Consonanza:

Cello, Trombone - John Heinemann (tracks: A to B3)
Double Bass - Walter Branchi
Percussion - Egisto Macchi (tracks: A to B2, B4) , Mario Bertoncini (tracks: A to B2)
Piano - Franco Evangelisti (tracks: A to B2, B4)
Technician [Electronic] - G. Giuducci
Trumpet - Ennio Morricone (tracks: A to B3)

Con un tratamiento en la trompeta sobresaliente, complejo y espontáneo de Ennio Morricone, que marcó gran parte de su estilo en sus trabajos como compositor solista, generalmente en devenir espléndido con imágenes cinematográficas y, que quizás por el fuerte vínculo entre la temporalidad del fotograma cinematográfico con la temporalidad del tratamiento espontáneo proveniente de la improvisación como forma de buscar la pureza en la génesis creativa; Morricone consolidó un estilo y un aporte en la extensión de su trabajo.

Es de destacar, y cosa difícil en el campo del Free Jazz, la estabilidad y la compenetración que logran como grupo aunado a la suerte de paradoja que crean sus cortes fluidos. El piano y algunas percusiones (Timpani, Celesta, Vocal) de Franco Evangelisti escupen tintes de claridad, sonidos cristalinos, esporádicos y precisos, muy por el lado de las estructuras. Una percusión trepidante; sencilla y directa, que al ensamblarse se vuelca compleja y problemática, de momentos incluso silenciosa… Ya en la dualidad, ya en lo trepidante (Egisto Macchi y Mario Bertoncini). Angustiante y vivrante se muestra el cello de John Heinemann; deviene visceral con el trombón que se incrusta en el estomago, que en la composición de las piezas aporta los cimientos para cada ejecución.

Por el lado técnico, los recursos experimentales de G. Giuducci ensamblan las piezas desde una perspectiva artística, en esta instancia el trabajo del laboratorio electrónico de música experimental se manifiesta sobremanera dando como resultado una obra de composición exraordinaria y fundamental en lo que respecta a la música de vanguardia.
No recomendable para personas que se inician en el vasto campo del Jazz; para apreciar a fondo este ensamble es necesaria la previa educación del oído y del pensamiento, caso contrario resultaría contraproducente.

Que al final lo que sustrae es la acción misma de escuchar cada una de las piezas con cierta disposición y un buen escocés. Y dejarte llevar por los fluidos espontáneos y sorpresivos de dicha genialidad…

DRINK ME; AND THEN, YOU WILL BECOME A DWARF

Messer Chups (8 discos)

MESSER CHUPS

Messer Chups es uno de los grupos que descubrí en la red cuando tomaba clases de ruso. Poco tiene que ver con el anterior post de la canción francesa deconstruida de Serge Gainsbourg, quizás los sonidos orgásmicos femeninos que se introducen en el fondo de las canciones sea uno de los escasos vínculos entre ambos, aunado al uso ligeramente experimental de los Messer.
Baya que paradójico, el hecho de que el movimiento Surf californiano de los Estados Unidos tenga una finísima repercusión en un país como Rusia, por las diferencias y competencia, históricas e incluso actuales entre ambas culturas.
Que decir de Messer Chups, que desde los también estadounidenses Cramps no había esdcuchado un grupo tan haraganezco como ellos, ni siquiera los famosos Horrors. Digamos que los Cramps con un toque de Psych-Surf ruso, sobre todo muy auténtico y desenfadado.
Saúl fue mi maestro en el haraganeo. Cuando trabajabamos juntos en las horas de comida era uno de nuestros ejercicios favoritos. Basta con una plaza comercial, una banquita y esperar esos momentos para el sano ejercicio del haraganeo, quien aún no lo ha hecho se lo recomiendo ampliamente.
Recuerdo con esto a mis amigos Los Cráneos, que en una tocada de lo más chaka, lograron lo que dice una de sus canciones “y las creaturas comienzan a bailar”. En estos contextos en realidad nunca hay pose; vayas de fashion o de emo, de dark o de rasta, de metalero o de mexican punk, nada importa porque a nadie le importa, es la delicia y el desquicie total. Es el momento en el que te conviertes en una creatura y no una criatura; un ente creado y nada más. Creaturas danzando que se levantan de sus tumbas únicamente para bailar. Es pues, la creaturización lo que logra en estos lugares el desenfreno que tanto me gusta, rompe con las poses ya que al ser creatura no eres ni rico ni pobre, ni fresa ni naco, no eres más que una creatura. La masturbación franética más baja, la más baja; lo eroti-kitsch.
Es cuestión de escuchar a los Messer Chups para que se den cuenta tanto del haraganeo como de la creaturización de la que hablo.

Zombies levántense para menear el esqueleto…

Dejo el link para que escuchen a mis amigasos Los Cráneos.

Y todos los discos de Messer Chups (more info inglés/ruso) por si entienden lo que les digo.

Saúl felicidades por tu cédula, el que escuchamos ese día es el Hyena Safari:

Monster And Monster (1999)

Bride Of The Atom (2001)

The Best Draculina Cocktail (2002)

Black Black Magic (2002)

Vamp Babes (2002)

Crazy Price (2003)

Hyena Safari (2005)

Zombie Shopping (2007)

Con agradecimiento a juanicotolengo usuario de Taringa!

Un saludo

Osfa.

“Escupiré sobre vuestras tumbas” Boris Vian

Great Jewish Music: Serge Gainsbourg – Varios Artistas

Great Jewish Music: Serge Gainsbourg – Varios Artistas (1997)

Antes de hablar de Lucien Ginsburg (Serge Gainsbourg), es necesario hablar de Boris Vian (Vernon Sullivan), pero en ambos casos esto ya es difícil, dado que ambos se duplicaron con un seudónimo.
Ambos (los cuatro) son franceses, bueno en realidad no, ya que el seudónimo de Vian era de nacionalidad norteamericana y de raza negra.
Boris fue un ingeniero que tocaba jazz y escribía críticas de jazz, sin embargo fue su literatura la que a mí me sedujo, escribía en una famosa revista “Les Temps Modernes” donde si no me equivoco fue invitado por Albert Camus –otro de mis favoritos–.
Ambos también llegaron a dedicarse a la actuación e incluso a involucrarse con la dirección y realización de obras cinematográficas, de hecho Vian redactó varias de sus obras pensándolas como guiones cinematográficos.
Ambos fueron irreverentes, contestativos, provocadores, directos, desgarradores, sarcásticos, voraces y con una sutileza de humor negro; desquiciantes ya.
Entonces para poder llegar a la profundidad de la siguiente recopilación. Primero recomendaría leer a Boris, el cuento que más disfruto es “El Amor es Ciego”, contenido en una recopilación de varios cuentos titulada “El Lobo-hombre”. Después habrá que escuchar a Serge con alguna famosa pieza musical es suficiente; pues muchas de sus canciones en su tiempo fueron censuradas por contener sonidos de orgasmos femeninos.

Así llegamos a la actual compilación de varios compositores y músicos de la escena experimental (jazz y rock) de la talla genial de John Zorn, Mike Patton –hhhhhhheeeeey Lenny–, Ikue Mori, Marc Ribot, Fred Frith y hasta los de Blonde Redhead y Cibo Matto aparecen. Bueno pues imaginen estas grandes y trasgresoras canciones francesas deconstruidas por los sonidos libres, esporádicos, viajados y chillones de la escena experimental.
Aquí lo tienen en dos partes. Dedicado para mi colega Vero y claro para Lenny que bien sé por esos nombres que te va a gustar.

Enjoy:

“Escupiré Sobre Vuestras Tumbas” Boris Vian Parte 1 de 2

"Sexualmente, es decir, con mi alma" Boris Vian Parte 2 de 2

Ciao, ya comenten algo no, siento que posteo sólo para mí...
Osfa

Tom Zè - Com Defeito de Fabricação (1998)

Tom Zè - Com Defeito de Fabricação (1998)

Este compositor brasileño sitúa su trabajo, específicamente "defectos de fabricación” como un trabajo conceptual, experimental e incluso acústico. La conceptualización de Zè parte de la frecuencia de opresión por parte de la sociedad y el gobierno, así la creatividad, el arte, la música, el amor son “defectos”.
Musicalmente se vale de recursos experimentales, tradicionales, folklóricos y acústicos, generando una mezcla muy interesante y auténtica, misma que lo ha llevado a trabajar en conjunto a importantes músicos de la escena experimental como Tortoise.

El cineasta Paul Leduc en su último filme “El Cobrador”, "…descubre que la única manera de adquirir una identidad propiaes negando a los otros, destruyéndolos, no aspirando a ser como ellos…" Romeo Tello Garrido prólogo a:“Los mejores relatos de Rubem Fonseca” Ed. Alfaguara 1998, basado en la literatura de Rubem Fonseca, utiliza la pista “Curiosidade” en un momento clímax del filme.
Bueno pues los que ya vieron la peli (que la recomiendo sobremanera) y no hayan escuchado a Tom, aquí lo tienen y, para los que no han ni visto la peli ni escuchado a Zè pues ya se lo han estado perdiendo.
Este CD esta dedicado a mis dos camaradas y cumpleañeros del prope Lenny y Panch. ¡Felicidades! La última pista es extraordinaria "Xiquexique", lo que se puede hacer con un globito de látex y mucha genialidad...
(púlsame, descárgame - Enjoy the music)

Un saludo

OsFa

LO CUALITATIVO O LA IMPLICACIÓN HUMANA

LO CUALITATIVO O LA IMPLICACIÓN HUMANA
Por Osfabel Diteos Rendón

Hace aproximadamente tres años trabajé en un proyecto colectivo sobre el ya recurrente tema de las muertas de Ciudad Juárez. El objetivo principal del proyecto era precisamente la formulación de la indiferencia como consecuencia de la frialdad y frivolidad del manejo de la información y en específico del número como difusión mediática cuantitativa.
Con el objetivo de crear una conciencia directa ante la futilidad del número (como cantidad de mujeres muertas), les pedimos a los transeúntes que se recostaran en el piso para marcarles la silueta con un gis, como se registra el peritaje cuando algún ser muere, que dentro de la silueta escribieran el nombre de un ser querido.
Nuestra intención era crear conciencia en las personas que se mantenían distantes al fenómeno, que sintieran la trascendencia de dicho fenómeno y no se quedaran en la abstracción del número, en la indiferencia. Así las siluetas del cuerpo fueron llenando una parte de la plaza del zócalo capitalino, la extensión de las siluetas de los cuerpos proporcionaba una posición perceptiva de dicho fenómeno. Esto es, que le daba una dimensión humana en la configuración de dicho fenómeno.
Al grado en el que hablar de cualidad es implicar la percepción humana de manera directa, el punto en el que dicha implicación raspa el cuerpo humano, raspa, tropiezas y sangras, parte de tu piel se queda, salpicas sangre y mancha y hace manchar....
Se trata de elevar al ámbito vivencial e involucrar una concatenación de fenómenos que se escapan a la perspectiva abstracta y cuantitativa, la vivencia del fenómeno desde el fenómeno mismo, en y desde el marco de referencia del objeto, que pasa a ser objeto-sujeto.
Mucho hay de la teoría Gestalt en las implicaciones preceptúales humanas, en la cuestión del pensar y concebir humanos, del pensar y concebir objetos como lo maneja K. R. Popper, mucho hay de aquello que se le escapa al estado humano consciente e incluso lógico.
Lidiar con la cuestión irreducible de la naturaleza del sujeto que impone y compone nuevas asociaciones no predecibles y que determinan la naturaleza de una comunicación subrepticia, que se despliega en las entrañas de lo metasubjetivo, el entorno y lo moverte, la contingencia del contexto, lo incitado y las potencialidades del ser. Lo reverberante ya.
Estar en el momento preciso de las poluciones y ver hasta qué punto se puede fluir a través de ellas…

Fuentes

Martínez Miguélez Miguel
Ciencia y Arte en la Metodología Cualitativa, Ed. Trillas, México, 2oo4.
Comportamiento Humano: Nuevos Métodos de Investigación, Ed. Trillas, México, 1989.

Bachelard, GastonEl Aire y los Sueños: Ensayo Sobre la Imaginación del Movimiento, Ed. Fondo de Cultura Económica, México, 1980.La Poética del Espacio, Fondo de Cultura Económica, México, 1975.
Bergson, HenriLa Risa, Ed. SARPE, España, 1985.
El Pensamiento y lo Moviente, Ed. Espasa-Calpe, España, 1976.
Calello, Hugo/Neuhaus
Método y Antimetodo: Proceso y Diseño de la Investigación Interdisciplinaria en Ciencias Humanas, Ed. Colihue, Argentína, 1999.

El Arte Urbano en el Programa de Maestría en Artes Visuales de la Universidad Autónoma de México; Surgimiento, Problemáticas y Perspectivas

El Arte Urbano en el Programa de Maestría en Artes Visuales de la Universidad Autónoma de México; Surgimiento, Problemáticas y Perspectivas
Por Osfabel Diteos Rendón

La propuesta del campo de arte urbano surge en un periodo de ajustes al plan de estudios entre los años 1970-1973[1] de las necesidades que una ciudad compleja extensa y caótica demanda ante las carencias y la repercusión que la megaciudad tiene sobre los individuos que la habitan. A este respecto el Doctor Óscar Olea de Instituto de Investigaciones Estéticas de la UNAM fungió como visionario y precursor, primero aportando una perspectiva crítica, auténtica y adecuada de las problemáticas que emana la ciudad hacia el artista y después proponiendo una especialización para afrontar dichas problemáticas.
Es en esta etapa 1971-1973[2] que aparece por vez primera la propuesta de arte urbano que, más que formularse y adecuarse para ser introducida al plan de estudios, refleja una preocupación hacia una corriente artística contemporánea y, como producto de una combinación de diferentes perspectivas educativas.
Al analizar las preocupaciones vertidas en los textos de Óscar es posible deducir que siempre pensó que muchas soluciones para los problemas del hombre y la ciudad pueden y deben ser aportados por los artistas visuales. La creciente población urbana, así como la percepción del consumismo, convivencia y del arte mismo han ido exigiendo una reestructuración, una distinta visión en la licenciatura y posgrado de Artes Visuales. En su libro “El Arte Urbano” [3] denota y trabaja influido por sus estudios en arquitectura en la UNAM y anteriormente psicología en la UIA, pero más que eso, por su experiencia como docente en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, manifestando el surgimiento de una diferente manera de abordar las cuestiones que atañen a la megalópolis. Si tomamos en cuenta que su libro se publicó en 1980, es decir siete años después de su ingreso a la ENAP. Preocupaciones que lo llevaron a formular y coordinar el Centro de Investigación de Artes Visuales de la ENAP, momento en el cuál parece ser que comienza la etapa más próspera de su consolidación teórico-conceptual.
Entonces, si planteamos que el campo de arte urbano arrastra consigo una serie de propuestas y modificaciones al plan de estudios de las Artes que, en ninguno de los casos se ha consolidado completamente. Lo que tenemos como resultado es una inadecuación del campo de arte urbano con el resto de los campos del programa de Maestría en Artes Visuales de la ENAP. Y por el otro lado la cuestión de querer abarcar todas las corrientes conceptuales que no quepan en los otros cinco campos, aunque muchas de estas corrientes se contradigan con respecto a otras en su formulación.
El contexto del campo de arte urbano padece además de diversas problemáticas por resolver una serie de cambios estructurales y replanteamientos académicos diversos, mismos que se ven reflejados en la situación que dicho campo actualmente padece y que la solución a dichas problemáticas no parece ser el cambio de nombre a “arte y entorno”, ni la implementación de otras materias y talleres propuesto por la actual administración, no cabe una solución que se base sólo en un cambio de nombre.
Habrá pues, que crear diferentes perspectivas y nuevos replanteamientos que partan de lo que ya hay, orientado hacia una adecuación que de verdad responda a las necesidades que la sociedad demanda, dado que es ese el objetivo principal de la ENAP[4]. Partir de una suerte de contradicción técnica en la que en una sola clase el alumno pueda acceder a los conocimientos y práctica que le otorgan dos perspectivas bifurcadas pero con la mira en un mismo punto. Implementando programas de movilización interna con otras carreras que atañen a problemáticas artísticas como la biología, la arquitectura, las artes escénicas, la ingeniería, la música e incluso las matemáticas, dependiendo de las necesidades que el alumno manifieste para la realización del proyecto artístico pero siempre desde una perspectiva artística.
La condición contemporánea ha ido exigiendo una reestructuración ya desde hace cuarenta años, una distinta visión en la licenciatura y posgrado de Artes Visuales.
Hoy las ideas, planteamientos y expectativas planteadas por la nueva administración de la ENAP, necesitan concretar un proyecto que supere las debilidades o carencias del pasado, un programa de estudios sólido y creciente; donde la apertura de espacios para la discusión y aportación de propuestas por parte del alumnado, del artista y del arte mismo supere arcaicas líneas de enseñanza para lograr una consolidación como carrera profesional y claro la implicación social que deviene de este hecho.
Situado en este contexto mi trabajo aportaría un perfil teórico-crítico desde una perspectiva artística, que plantea el uso de recursos plástico-conceptuales que la entropía de la megaciudad escupe y que se generan bajo comportamientos humano-colectivos inconcientes; la correcta percepción aporta la codificación de la identidad de la ciudad y de sus habitantes, en una sociedad que se precipita frente a la brutalidad del capitalismo.
Ejecutando un environment como necesidad a la codificación territorial de zonas específicas de y en la megaciudad para lograr la trascendencia necesaria en el fenómeno de la economía no regulada que no se limite a la pasividad e institucionalidad del museo; que trascienda de manera activa en los individuos que experimentan la vida de manera cotidiana.

[1] El campo de arte urbano en el Programa de Maestría como parte del plan de estudios no se encuentra en estas actas. Sin embargo en el objetivo de la síntesis programática del taller de escultura urbana semestres VII y VII nos muestra la primera preocupación insinuada de manera directa para el campo de arte urbano. “Plan de Estudios de la Carrera de Artes Visuales. Escuela Nacional de Artes Plásticas. Aprobado pos el H. Consejo Técnico en la sesión permanente celebrada en agosto-noviembre de 1973” en Centro de estudios Sobre la Universidad (CESU), Archivo del Consejo Universitario, Comisión Permanente, VIII Comisión del Trabajo Docente. Caja 17. exp. 48-49. Anexo al acta de la sesión.
[2] “Capacitar al alumno para realizar esculturas a escala monumental y en relación con el contexto urbano, tanto en su carácter conceptual como técnico, señalando con claridad las diferencias que ésta tiene con respecto a la escultura de caballete”, Íbidem.
[3] Óscar Olea, “El Arte Urbano”, UNAM, México, 1980.
[4] Las Facultades y Escuelas de la Universidad Nacional Autónoma de México1929-1979 III, tomo I, Vol. III, Archivo Histórico UNAM, UNAM, 1979.

Fuentes.

Archivo Histórico del Centro de Estudios Sobre la Universidad. Archivo del Consejo Universitario. Universidad Nacional Autónoma de México. México.
Archivo del Consejo Universitario. Actas de las sesiones. Universidad Nacional Autónoma de México. México.
Las Facultades y Escuelas de la Universidad Nacional Autónoma de México1929-1979 III, tomo I, Vol. III, Archivo Histórico UNAM, UNAM, 1979.
Olea Óscar
El Arte Urbano, UNAM, México, 1980.
Carrión Parga Ady
De la Idea al Misterio: Gilverto Aceves Navarro en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, Tesis de Maestría no Publicada, UNAM, 2007.
http://discursovisual.cenart.gob.mx/anteriores/dvwebne05/entorno/entady.htm

HACIA UNA PERSPECTIVA TEÓRICO-ARTÍSTICA; NUEVOS MÉTODOS DE INVESTIGACIÓN: ANALÍTICO/SINTÉTICO, FENOMENOLOGÍA Y HEURÍSTICA

HACIA UNA PERSPECTIVA TEÓRICO-ARTÍSTICA; NUEVOS MÉTODOS DE INVESTIGACIÓN: ANALÍTICO/SINTÉTICO, FENOMENOLOGÍA Y HEURÍSTICA
Por Osfabel Diteos Rendón

“Si quieres sacar algo del fondo del lago, pero el agua está turbia, tienes que dejar que se clarifique, para poder ver qué es lo que quieres sacar”.
Versus:
“...un hombre negro que busca en un sótano oscuro un sombrero negro que no está allí. ¿Qué puede hacer? Puede palpar en todas direcciones. Y de este modo, con los intentos en todas las direcciones, llega finalmente a una especie de imagen del mundo, esto es, a una idea sobre cómo está conformado el sótano y quizá incluso reconozca que el sombrero no está allí [...] Este cuadro es esencialmente falso. Mecaniza el acto creador del pensar y descubrir humanos”[1].
Nos encontramos en la problemática de la intrusión del método científico en la génesis artística. En consecuencia de las carencias que presenta el inductivismo lógico con respecto a la creatividad.
La gran cantidad de fenómenos que no podemos conocer de manera certera y también perversa, pero sin embargo las podemos imaginar e intuir, podemos soñar, experimentar. Es allí donde se dan los grandes saltos para la historia del conocimiento humano, como bien lo plantea Feyerabend con su teoría del error y su “Tratado Contra el Método: Esquema de una Teoría Anarquista del Conocimiento”[2], siguiendo los paradigmas planteados por Thomas Kuhn[3] con respecto a la hegemonía de la Ciencia.
Es en esta confrontación donde se vuelven recurrentes los métodos que se presentan como alternativas o ampliaciones del método científico (analítico/sintético, fenomenológico y heurístico), que la adecuarse a la metodología pretenden aportarle a la ciencia lo que tanto carece: imaginación, intuición, creatividad, casualidad, panorámica global del fenómeno, repercusión del contexto vivencial, dispersión, grado de intersubjetividad, las conexiones y los vínculos, sobre todo compenetración sensible y humana; la experimentación de y en el mundo.
Pero el problema va aún más allá. Podemos ver como en la actualidad la Ciencia en tanto institución se propaga por todos lados, ejerciendo un poder sobre el Estado, mismo que anteriormente la Iglesia ocupaba. En consecuencia una invasión global del método científico en todos los campos académicos del conocimiento. Nuestro campo (el artístico) se presenta como una muralla difícil de superar. Pero no podemos actuar de manera solipsista ni retrógrada. Nuestras capacidades van más allá. Pienso que como artistas nos es fácil cumplir con los requerimientos del método científico, pero de una manera crítica con respecto a la génesis artística y no tratando de suplantarla.
Propongo pues, desarrollar una auténtica perspectiva teórico-artística, que en tanto que perspectiva, no tome prestado ni de la ciencia ni de la sociología. Esto no quiere decir que no exista una intertextualidad digamos ecléctica y que el abordar teórico se insinúe hermético; quiere decir que como artistas es necesario crear fuertes vínculos con otras corrientes del pensamiento, pero que el ejercicio, procesamiento que devenga de esa vinculación, aporte una caosmos-visión –en el sentido deleuziano[4]– auténticamente artística y no científico-artística, fortalecer y emancipar la teoría artística en tanto que arte. Llegar al punto en el que la teoría no sólo se ejerza en tanto que justificación y bitácora de una obra. La teoría que es artística se ha de desbordar como una ola en el mar, creando asociaciones mentales que orillen a la intuición del lector, que sean arrastradas por la necesidad y vertidas en la obra artística, ya como extremidad de la obra misma y no como un agregado en el desarrollo de su explicación.
[1] Karl R. Popper, Sociedad Abierta, Universo Abierto: Conversación con Franz Kreuzer, págs. 45-46.
[2] Paul Feyerabend, Tratado Contra el Método: Esquema de una Teoría Anarquista del Conocimiento, REI, México, 1993.
[3] Thomas S. Kuhn, La Estructura de las Revoluciones Científicas, Fondo de Cultura Económica, México, 1985.
[4] Deleuze/Guattari, Rizoma: Introducción, Pre-textos, España, 1977.

Fuentes.

Bachelard, Gaston
El Aire y los Sueños: Ensayo Sobre la Imaginación del Movimiento, Ed. Fondo de Cultura Económica, México, 1980.
La Poética del Espacio, Fondo de Cultura Económica, México, 1975.

Bergson, Henri
La Risa, Ed. SARPE, España, 1985.

El Pensamiento y lo Moviente, Ed. Espasa-Calpe, España, 1976.

Calello, Hugo/Neuhaus

Método y Antimetodo: Proceso y Diseño de la Investigación Interdisciplinaria en Ciencias Humanas, Ed. Colihue, Argentína, 1999.

Deleuze Gilles/ Guattari Félix
Rizoma (Introducción), Ed. Pre-textos, España, 1977.

Feyerabend, Paul
Tratado Contra el Método: Esquema de una Teoría Anarquista del Conocimiento, Ed. REI, México, 1993.

Kuhn, Thomas S.
La Estructura de las Revoluciones Científicas, Ed. Fondo de Cultura Económica, México, 1985.

Martínez Miguélez Miguel

Ciencia y Arte en la Metodología Cualitativa, Ed. Trillas, México, 2oo4.

Comportamiento Humano: Nuevos Métodos de Investigación, Ed. Trillas, México, 1989.

Popper, Karl R.
Sociedad Abierta, Universo Abierto: Conversación con Franz Kreuzer, Ed. Tecnos, España, 1988.

Yura Yura Teikoku - 3X3X3

Yura Yura Teikoku - 3X3X3

Artist: Yura Yura Teikoku

Album: 3X3X3

3X3X3: perhaps his best and most representative album.

Year (album): 1998

Style/Genre: underground, sychedelic, heavy-psych, power pop.

Place: Tokyo, Japan.
Featured musical aspects: dueling guitar solos and bombastic drumwork while shouting spontaneous and frenetic.

Clothing: traditional Japanese ghost-style

Description: A uniquely Japanese hybrid of Jimi Hendrix, Les Rallizes DesNudes, the Velvet Underground, 60's Japanese pop and the 13th Floor Elevators.

Comment: "Yura Yura Teikoku are the first and only Japanese underground psychedelic rock group to have achieved "overground" success. Yura Yura Teikoku look and sound like no other band in Japan, and their widespread popularity strikes most followers of underground psychedelic music as just plain...weird. For me, what's really weird is that they've followed their masterpiece 333 with four albums of equal brilliance, inspiration and growth. They've become more experimental with each album yet continue to attract more fans." Justin S., January 2005.

Escucha: "Dare Dakke?"

Mucho tiempo buscando algo de esta banda, hasta que encontré esta magnífica grabación, la edité con toda la información de las pistas.

Disfrutenlo (click on Boris V.): "I spit on your graves" (Boris Vian)

HABITACIÓN ANARANJADA (2006)

HABITACIÓN ANARANJADA
(Proyecto de instalación artística en miras a su realización, 2006)

Un cambio de hábitat. Este dentro de la misma zona metropolitana. En principio, el contraste no sólo en el espacio del cual habitaba, sino de las relaciones sociales, culturales, económicas con el actual. Lo que me interesa es: ¿De qué manera las personas que viven en un gran conjunto habitacional específico, espacialmente disfuncional y con el mínimo habitable se relacionan con un espacio no funcional, no habitable y espacioso? Es decir, espacialmente ¿Qué devenir existe a partir del individuo y su espacio vivencial, a su vez con los demás y con el gran conjunto habitacional? ¿Cómo las personas asimilan el hacinamiento, su corporalidad y la identidad en un espacio comprimido como un conjunto de reducidos que forman un homogéneo extenso?
¿De qué manera se asimilan como identidad en un lugar interior y privado, este en conjunto con otros muchos, estos en relación con un espacio exterior determinado, común, público, céntrico, situado dentro del mismo conjunto?

Now I’d like to say that my interest arose from the need of a change of habitat inside the metropolitan zone where I live, at first the contrast not only of the space but also of the social, cultural and economic relations with the actual situation. I could notice many things, but the one that interested me the most is the following: How the people living in buildings spatially dysfunctional can relate with that distribution of space, specifically the relation of the individual with its living space and with the other individuals around them, how they can interact in that private and reduced space.

El lugar del que hablo fue edificado para los juegos centroamericanos y del caribe en 1990, que por su función esencial es un acopio de habitaciones muy reducidas; con el mínimo habitable, de diseño arquitectónico homogéneo. En el centro de las unidades se encuentra una pequeña zona boscosa, en la cual se localizan unas estructuras metálicas que pretendieron ser bodegas y que actualmente se encuentran en estado de abandono.

I’ll de clearer, the place I talk about was built for the Centro American and the Caribbean Olympic Games in 1990 for its supposedly practical function. It is a stock of habitations of an analog architectural design. In the center of the building there is a small area of forest that has abandoned structures that originally where going to be cellars.

Parto de la selección de dos formas reconocibles –por lo tanto cargadas de identidad y su ensamblaje. La primera consta de una estructura metálica, que figura un gran domo, que de manera magnánima se ve devorada constantemente por el espacio; por su ubicación y forma, en vez de envolver el espacio pareciera liberarlo, produciendo por sí misma posibilidades reflexivas. La otra, consta del material y la distribución del espacio de una de las habitaciones a un cuarto de la escala real, la estructura de estas habitaciones también está hecha de metal, y como ya dije su distribución espacial es igual a todas las demás, la distribución metálica con la que están cimentada se deja ver desnuda en el trecho de cada apartamento. Quité el techo y confeccioné el molde arquitectónico para acentuar la espaciosidad e intentar llevar al espectador a partir de su experimentación corporea a la reflexión de su espacio vivencial, territorial y su civilidad.

I start selecting and assembling 2 known shapes, one on its actual and presented state of metallic structure that represents in my work a great dome that seems to be absorbed more by the space than by its location and shape, producing itself a reflexive possibility. The other shape is the reproduction of a stock of habitations also made out of metal and with analog spatial distribution. The metallic distribution of the buildings is shown in the roof of each building. I took the roof of and made the architectural model to emphasize the spaciousness and to show the spectators the reflex ion of their living space and territoriality.

La mejor valoración del presente trabajo es muy específica, ya que el punto más importante es la reflexión a partir del reconocimiento y la familiarización del molde arquitectónico antes mencionado, con la cotidianeidad del habitante de dichos espacios. Esto para que el espectador al contemplar la obra ensamblada al espacio ya citado, se apropie de ella y en ella, revalorice su corporalidad, territorialidad, sociabilidad, su devenir con el ambiente y el efecto que lo anterior tiene en lo social. Así, ya no hablaríamos del espectador, sino del actante, que al experimentar la obra forma parte de ella.

I want to make clear that the best valuation of this work is very specific, the reflex ion from the recognition and familiarization of the architectural model is a very important aspect to make the spectator interact with my work and revalue his corporality, territoriality, social status and his relation with the environment and its effects on the society. Then, no longer speaks of the viewer, but the actant, to experience the work is part of it.

La soledad social en las grandes urbes, prescrita ya como un síntoma más de la postmodernidad; problemática que aparece inevitablemente en la condición contemporánea. La arquitectura en serie, en producción masiva, es uno de los principales factores para este fenómeno. Se creería que al haber más personas en menos espacio, la comunicación y la sociabilidad aumentarían, sin embargo, sucede lo contrario.
Al aplicar un tratamiento a la relación del molde arquitectónico con el espacio, en tanto que la relación del espacio privado con el público se logra una reflexión que involucra la problemática de la identidad y el hermetismo. En una relación que parte de la corporalidad y los vínculos espaciales y sociales de ésta: la concepción del espacio a partir del cuerpo.

The social loneliness in the big metropolis is a present problem and in a general way I believe the analog architecture in massive production is one of the main factors of this phenomenon. The idea was to increase communication and social interaction having more people living in reduced spaces. However the effects are totally the opposite. There comes the need of looking inside us, understand ourselves and value the environment to correct the wrong idea of that relation.

¿Qué piensas?
And what do you think?

Fluxus Art Collective - Fluxus Anthology: a collection of music and sound events

"Fluxus Anthololgy is a collection of music and sound events edited by Maurizio Nannucci with full integrety towards the idiology and spirit of Fluxus, one of the most radical art movements of the second half of this century." Limited edition of 1000. Reissued on CD by Zona Archives in 1995. The jacket features excerpts from various Fluxus writings. Printed inner sleeve features George Maciunas' "Expanded Arts Diagram".

Genre: Sound Art, Electronic, Non-Music, Rock
Style: Political, Spoken Word, Experimental

Walter Marchetti: Per la sete dell'orecchio (1976) 2:13

Juan Hidalgo: Tamaran (1974) 3:50

La Monte Young: Dream house (1973) 3:34

Ben Vautier: Some ideas for Fluxus (1989) 1:34

Wolf Vostell: Elektronischer dé-coll/age. Happening Raum (1968) 3:00

Milan Knizak: Broken music composition (1979) 3:26

Robert Filliou: Imitating the sound of the birds (1979) 0:55

Alison Knowles: Natural assemblage. Le vrai courbeau (1984) 5:05

Emmett Williams: Duet (1968) 1:50

John Cage: Radio Music (1956) 4:32

Joseph Beuys: Sonne statt Reagan (1982) 3:03

Yoko Ono: Toilette Piece (1971) 0:30

Dick Higgins: B.B. finally dreams about life, B.B.'s you play it (1962) 1:35

Philip Corner: Car passing at night, country road in Maine (1988) 1:35

Eric Andersen: The untacti[c]s of music (1968) 2:32

Robert Watts: Interview (1963) 1:25

Nam June Paik: My jubilee ist unverhemmet (1977) 5:15

Ken Friedman: Orchestra requiem variations (1967) 3:00

Aquí les dejo a todos mis camaradas del propedéutico una compilación de proyectos de Arte Sonoro de los precursores FLUXUS. En especial a el grupo de Arte Urbano.(Dar click en el epígrafe para descargarlo)

“...llegar a ser uno mismo arte y dejar llegar [...]
llegar a nuevas conexiones y dejar llegar [...]
descubrir lo absurdo del sentido y dejar descubrir,
descubrir el sentido del absurdo y dejar descubrir...”

Wolf Vostell, Lo Que Yo Quiero

Dejen un comentario para saber qué es lo que piensan.

Saludos y mucha suerte...