Houtkamp's POW 3 - The Thirteen Bar Blues

Houtkamp's POW 3 - The Thirteen Bar Blues (2003)

Luc Houtkamp

Hace poco, hurgando en la Biblia encontré lo siguiente: "Mas el perverso de corazón será menospreciado (...) Y el hombre perverso será aborrecido." Proverbios, Capítulo 12-14.

Quisiera escribir sin hablar; poder callar todo aquello de “perberso” (sic.) que pudiera haber en lo que impulsa el sonar de la palabra, esa palabra que ha de carcomer en lo más hondo, pero, no puedo, tan no puedo que me cago en Dios al intentarlo.

Esperen…

…

Voy por alcohol.

…

…

Seguimos…

El gran perverso ha de ser autodidacta de nacimiento, ha de pertenecer a nuestra comunidad oculta conocida como “los nohagonadenses”, comunidad que ha surgido para ser “aborrecida” como dice la sagrada escritura.

Seguro de que este trabajo sería digno de ser escuchado por Bruce Sterling o William Gibson, Es un Acid Laptop Blues, como surgido del mismo Albert Hoffman inventor del LCD o de un consumidor frecuente de hongos alucinógenos, aun que, más preciso el LCD, ya que es producto ligado a la síntesis tecnológica, al igual que lo propone Luc Houtkamp al utilizar el ordenador como parte conceptual y técnica en su propuesta artística; como si las composiciones ejecutadas por su saxofón vomitaran unos y ceros, 1100010001

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01000000110011,eros, unos y ceros, un sistema binario sensible.

Disco que desde Hakim Bey hasta Jacques Attali y pasando por Tommaso Tosí descargarían sin dudarlo, toda la generación cyberpunk y hacker ha de involucrarse con esto.

Algo que en Internet no se puede encontrar ni ver, es como un virus, más “perverso” que malicioso, se desdobla cual cadena de ADN subrepticiamente, sólo su accionar y la repercusión del mismo ha de ser percibida, creador potencial de la Zona Temporalmente Autónoma (TAZ).

Música Neo-Anarquista para tolerar el Apocalipsis (inédita en la red):

“I wouldn't describe that "position" as "parasitic." I'd describe that experience as "edifying." I don't merely write from a critical intellectual distance. I actually live around here.” Bruce Sterling

Un saludo, O SFa.

Frakkur – Songs for the little boy (extra tracks)

Frakkur – Songs for the little boy (extra tracks) (2008)

Cuando se produce una química tan intensa entre un músico y un artista visual, como en el caso The Books, el devenir se hace evidente tanto en un trabajo musical lleno de texturas y conceptos como en un trabajo visual que expresa y amplia una postura frente a la concepción musical, se llaga con esto a un límite más allá de ilustrar la música, se trata de crear comuniones que, en estado de potencia, se desbordan ante el poder de la creación de autor.

Es así, desde que Jónsi Birgisson se ha involucrado con el artista visual Alex Somers, Jónsi ha producido música hacia nuevas perspectivas que no había concebido en sus trabajos con Sigur Rós y Amiina.

Este disco lo puedo relacionar inmediatamente con algunos pasajes del grupo The Books, ambos usan un sonido tan orgánico, que es difícil pensar que la mayor parte es producido desde el ordenador, en ambos hay una constante remembranza hacia la niñez tanto una nostalgia e implicación con el problema de la memoria.

Los dos trabajos con tanta intensidad, el proceso conceptual y el devenir que puede producirse entre un músico y un artista visual, no en un diálogo sino en una complicidad.

Un trabajo genial al que le he agregado dos tracks (11. Untitled [Live in Reykjavík] y 10. Untitled [Laptop Version]) de Jónsi que conseguí por allí, que son dos trabajos previos al disco que a continuación les ofrezco.

“I don’t know why we (Jónsi & Alex) like all that old and dusty stuff in decay.” Jónsi Birgisson

Un saludo.

O SFa

Mirza – Iron Compass Flux

Mirza – Iron Compass Flux (1998)

¡Que raro! Supongo que Mirza es de esos grupos que deben constituir un hallazgo fortuito. Debo decir que mi hallazgo, se ha de comparar con la inolvidable revelación que significó para mí, haber tropezado por azar con Godspeed You Black Emperor! antes de que movieran el signo de exclamación; ambos tan turbulentos y contemporáneos. La fuente donde lo encontré menciona una revista donde se menciona el descubrimiento también por coincidencia, incluyo su relato en el archivo que subí.

Esta desbordada satisfacción que me dio al estar escuchando su tormentosa música se vio destruida por una falla de audio, en la codificación de la pista 01. The Path Is White Clouds, una de las más desgarradoras. Con la úlcera en la boca del estómago comencé a buscar otros medios para sustituir mi úlcera por cáncer; hasta que lo logré. El cover art constituyó otra aventura enlodada en la inmensidad de la red; si crees lo contrario trata de buscar una imagen mejor que esta, además, están editadas cada una de las pistas con metadatos a la perfección.

Como sea, digo todo esto porque es un discazo que habiendo hecho todo lo enunciado anteriormente sólo hace falta escucharlo; dejarte golpear dentro de su tasajeante tormenta instrumental.

“Hundido de nuevo en el abismo de la venganza insatisfecha, se disponía ya Kohlhaas a ordenar a su gente que le prendiera fuego al monasterio, cuando estalló un trueno espantoso y cayó un rayo a su lado. (…) Kohlhaas recapacitó un momento, mientras un repentino aguacero apagó las antorchas haciendo restallar el agua contra el empedrado. De nuevo un agudo dolor traspasó aquel pecho desgraciado y, haciendo un rápido saludo a la abadesa, picó espuelas gritando a su gente:

–¡Seguidme, amigos! ¡El de Tronca está en Witenberg!” Heinrich von Kleist, Miguel Kohlhaas.

Un saludo.

Louis Sclavis Sextet - Les violences de Rameau

Louis Sclavis Sextet - Les violences de Rameau

Con un Jazz denso y convulsivo el clarinetista y saxofonista francés Louis Scalvis ha logrado un gran reconocimiento en la escena contemporánea, mismo que lo ha llevado a ganar el premio Premio Django Reinhardt, a trabajar estrechamente con genios como John Zorn y Peter Brötzmann, gracias a ese gran ímpetu creativo y experimental que ha mostrado desde sus inicios, en los que tomó el clarinete por ser el único instrumento para el que pudo tomar clases cerca de su casa.

En su proyecto Les violences de Rameau de 1966 ejerce uno de los puntos clímax de su trayectoria, uno de sus primeros trabajos en donde ya se hace evidente la propuesta que Sclavis pretende desarrollar a partir de preocupaciones más autónomas respecto a su postura musical y compositiva, al menos en las dos (2 y 7) magníficas piezas que compone para el sexteto.

Irrupciones musicales entre el piano de François Raulin y el trombón de Yves Robert que se ven moderadas por la batería de Francis Lassus. El frenesí de la secuencia generalmente se presenta cuando Dominique Pifarély le saca rock al violín eléctrico que, a su vez funciona a contrapunto frente al clarinete bajo de Sclavis.

Un jazz lleno de gracia y poder.

“Sometimes I tell my students to just walk. They to put down the clarinet and just walk because haw they walk is haw thy play. Some people don’t even know how to walk, and your sound is who and what you are (mp3)” Louis Sclavis

"Le désespoir et toutes les passions qui portent à la fureur demandent des dissonances de toutes espéces non préparées. (flac)" Jean-Philippe Rameau

Artist's web

Saludos.

Vandermark 5 - Vandermark 5 vs. Santo

Vandermark 5 - Vandermark 5 vs. Santo

Continua la batalla por la supremacía todos los martes en el Empty Bottle:

The Vandermark 5 vs Santo, El Enmascarado de Plata.

Lucharán…

De dos a tres caídas…

Sin límite de tiempo…

Máscara contra cabellera…

En la esquina de los rudos, el grupo del multiinstrumentalista y comopositor de la escena de Chicago:

Vandermark 5

Por el bando técnico, el único superhéroe mexicano:

Santo, El enmascarado de plata

Comienza la lucha en la primer pista, allí se encuentran cara a cara. El Santo, intrépido como siempre, coloca una llave a ras de lona por lo que Vandermark desata improvisando con un sax apabullante…

Ken Vamdermark ha logrado una carrera tan prolífica como polifacética, ha tocado, colaborado, palomeado con infinidad de músicos tanto de la corriente del jazz avant-garde como de la corriente clásica (ver discografía). Ha tomado un poco de todo, en parte se debe a su amplio gusto musical que, como él lo dice, disfruta de escuchar música lejos de estar pensando si lo que esta escuchando es o no una propuesta artística, así en sus propuestas podemos encontrar un poco de jazz, particularmete rescata la intensidad del hard-bop y la libertad de la improvisación, tintes de rock contemporáneo, matices de funk y un poco de composición proveniente de sus influencias de música clásica, siempre con un perfil creativo que lo ha llevado a ganar importantes premios y prestigio entre los mismos artistas que trabajan con él y los músicos contemporáneos que él respeta, como el legendario Peter BrÖtzman.

He aquí una verdadera lucha de sonidos que, con piezas aparentemente dedicadas por lo general a geniales músicos de jazz, saxofonistas especialmente, en ocasiones a interesantes fotógrafos como es el caso de uno de sus últimos trabajos Beat reader, parecen tributos y se convierten en otra cosa completamente diferente; una especie de intertextualidad que intensifica la propuesta creativa de cada pieza, que a su vez recorre los anales del vasto mundo del jazz.

"It's not really about becoming "better" technically, it's about developing more clarity with my spontaneous and pre-notated ideas. The creative conceptions determine what techniques need to be invented or learned."

Ken Vandermark, Mutiny #13, 2009, Raine Liimakka

Nota: Subí la información con metadatos y a la mejor calidad de mp3 (320kbps), de un disco difícil de encontrar (out of print), disfrútalo.

Thinking on one's feet.

Un saludo.

O SFa

Erlend Skomsvoll – 52:29 Monstermort

Erlend Skomsvoll – 52:29 Monstermort (2008)

Les presento un trabajo fresquísimo, aunque difícil de conseguir en la red, al escucharlo, la plusvalía de la ardua búsqueda, el hecho de ser un trabajo único y transcontemporáneo, lo hacen una obra invaluable.

Skomsvoll arriesga donde hay que arriesgar, es prudente con una perspicacia aguda, intuitivo en su más profunda búsqueda creativa; este disco que, si se tiene debe quemarse literalmente, así como se quema el conocimiento más dañino, mortífero y visceral.

El quid que lo hace excepcional a cualquier intento de composición musical dentro del jazz contemporáneo consiste en que Skomsvoll se sabe dejar llevar con extrema agudeza; logrando trepidar dentro de elementos musicales clásicos; un piano sutil e inesperado que nada la envidia a un Für Elise del inmortal L. V. Beethoven, elementos experimentales en los que John Zorn podría decir “cómo no soy el autor de esto”; vociferantes sonidos que se encuentran en la entropía que sus gargantas escupen, escuchar romper las percusiones que en muchos casos son la base para cada composición, sentir el reverberar de tus cabellos con las frenéticas cuerdas; herencia de su cercanía con Chick Corea.

En este link encontré dos videoclips interesantes: ver Skomsvoll clips.

Cómo pedirte que no te lo descargues; me he tomado un buen tiempo para editarlo con metadatos y subirlo para ti pero, no lo hagas, de verdad, pienso que debes estar mejor así, sin saber que este tipo de cosas existen.

Otro gran trabajo de otro gran multi-instrumentalista, proveniente de Noruega.

“I see myself and many artists like me as the torchbearers through these dark ages.” John Zorn

Un saludo.

O SFa

Ricci Rucker & Mike Boo - Scetchbook: An Introduction To Scratch Music

Ricci Rucker & Mike Boo - Scetchbook: An Introduction To Scratch Music (2002)

Cover del vinilo

Cover del disco compacto

Cuando un movimiento musical como lo es el Hip-Hop que, en una de sus manifestaciones más esenciales es la referencia inmediata al cuerpo y los las proyecciones hedonistas de nuestra época, involuciona de tan integral manera. Debo aceptar mi rechazo a el Hip-Hop de tipo gangasta y el tipo gángster, ya saben autos que saltan con luces neón y superestéreos, con negros vestidos con atuendo tumbado y rodeados de mujeres bailando pornográficamente.

El estilo musical que, logra a la vez ir dirigido al cuerpo y no se contenta con esto, sino que subrepticiamente se dirige a la mente; este es el caso del subgénero denominado Abstract Hip-Hop, que se ha venido desarrollando en una escena, digamos underground o alterna, al Hip Hop estereotipado que ya muchos conocemos hasta el hartazgo.

Un turntablism genial que en su accionar se manifiesta en la manera de un palimpsesto, perfectamente bien ilustrado en el trabajo de arte tanto del vinilo como del disco compacto, letras teóricas e inteligentes, reflexivas, sonidos yuxtapuestos cargados de poder y energía.

“Time to wake up

What is reality?

Obviously no one can say

Because it isn't words

It isn't material

That’s just an idea

Reality is this”, Ricci Rucker & Mike Boo, en pista 08. Simply Eternal Now

Saludos.

O SFa

Yume Bitsu - Golden Vessyl Of Sound

Yume Bitsu - Golden Vessyl Of Sound (2002)

Estos latidos o pulsiones soñadas improvisan a partir de una fragmentación onírica que, en su punto más alto, logran visualizar fractales sonoros para viajar por el espacio caótico de una profundidad psicodélica.

Trabajo que se puede acercar mucho a Godspeed you! Black Emperor, un rock experimental para los sueños más absurdos de la preconsciencia humana.

Las pistas carecen de titulo por la misma razón que los nombres limitan las posibilidades de lo que se encuentra en potencia de ser que, por lo tanto deben defender un significado.

Música para oídos atentos y sobre todo perspicaces:

"There are no song titles for this record. Each composition was created as improvised or barely structured music throughout their development as recordings and it feels wrong and contrived to think of words to fit them now. We have chosen to let them stand nude as sonic experiences without, and beyond, the boundaries of the written word. We suggest that you address the songs as you would if you never knew the title. The first song, therefore would be 'Song One', the second 'Song Two' and so on.", Yume Bitsu

Un saludo.

O SFa

Don Caballero – Punkgasm

Don Caballero – Punkgasm (2008)

Un grupo con mucha influencia académica y casi cerebral, sin que con esto suenen tradicionales o aburridos. Aún cuando su sonido puede percibirse caótico, hay un gran cálculo cuasimatemático y muy estudiado que los hace generar composiciones difíciles. Complejidades que provocan mala digestión, pero se trata de eso; de llegar a esa parte visceral, volátil y violenta, que la golpean con mucho poder e intensidad.

En el estilo sí pueden moverse en términos del rock experimental, pero en la ejecución y composición musical no se comportan así, ya que sus piezas son técnica y teóricamente muy trabajadas; los hace llegar a una alta calidad musical, por lo que predomina un tratamiento instrumental y con rupturas frecuentes entre formas melódicas y riffs distorsionados.

Su sonido encuentra patrones en estructuras complejas, una suerte de movimiento browniano, al bombardear con pedazos de cuerdas y micropartículas virtuosas provenientes de la batería; van a incrustarse directamente en el mismo estómago.

Siempre en busca de la creatividad musical, una necesidad que debe, no sólo de escucharse sino de repensarse, de releerse.

Este disco a diferencia de los anteriores, cuenta con la particularidad de que le han agregado algunas vocales, cosa interesante para una banda de Math Rock. El momento del disco es que va moviéndose en progresión hasta los últimos temas que resultan desgarradores.

"I think this new ensemble very gracefully touches on all the themes that had ever existed in the past and brings in new ones at the same time. But that's just my opinion. You can disagree with that.", Damon Che

Dedicado para mi gran hermano y respetable pensador Miguel Guerra, bien sabes como degustamos de la música intragable. Un abrazo.

Saludos. O SFa

Gabor Szabo – Spellbinder

Gabor Szabo – Spellbinder (1966)

En este segundo disco de Szabo es fácil caer sin respirar. Probablemente su más completa y vibrante producción, él nos agita con una combinación de ritmos, desde el jazz, funk, pop hasta la psicodelia, que en su fusión nos hacen sentir familiares; pese a que retoma el folklore de su país natal, Hungría, no dejan de jugar las percusiones con matices latinos, que tiempo después encontraría y sobreexplotaría, el ya desvirtuado mexicano Carlos Santana; pues Gabor Szabo no es más que su padre y si no escuchadlo usted mismo.

Gabor lleva al extremo la pisada precisa de su guitarra, escucharla es como sentirla en toda su tridimensionalidad, el cilindro psicodélico, que es la cuerda, encuentra todo su π (pi.); allí es donde la matemática sólo existe en tanto que ritmo, deseo y pulso. Pero su pisada de jazz en la guitarra va más allá; trepida a contrapunto con las percusiones de Willie Bobo y Víctor Pantoja, y, se ensambla en las chispas de la batería, las bocales con calidad contrastada; en momentos gritos disparados por el ritmo y en momentos destellos del pop.

Un disco genial, auténtico; quizá en los años sesentas no exista otro que se le acerque. Si se comienza a escuchar ya no hay vuelta atrás. De un talento que nunca se desvirtuó y que si buscan algo cercano, a lo más que pueden llegar es al gran Django Reinhardt.

“Bang Bang (My Baby Shot Me Down)”

Un saludo.
O SFa